История искусства
История дизайна
 
Барокко
Происхождение термина «барокко» неясно. Самая распространенная версия —термин «барокко» происходит от испанского «жемчужина неправильной формы». Термин не использовался современниками для оценки искусства своего времени. Только в XVIII веке термин «барокко» приобрел значение эстетической оценки, причем отрицательной, критической. В устах просветителей, выступавших с резкой критикой искусства предшествующего периода, понятие барокко было синонимом странности, перегруженности, изломанности художественной фантазии. Барочным обоз-началось все, что казалось неестественным, произвольным. Только в 80-х годах ХIХ века произошел перелом в отношении к искусству барокко, совершилось его подлинное открытие. Искусство барокко получило наибольшее развитие в тех странах где, дворянство было господствующим классом. Искусство барокко поражает своими динамическими эффектами. Особенно это видно в архитектуре – пространственная динамика, переизбыток форм. Картины построены на динамических углах, диагоналях, резких пересечениях. В отличие от Возрождения где было равноправие всех видов ис-ва, в барокко основным считается архитектура с различными колоннами, пилястрами, карнизами, наличниками, и многочисленными украшениями(волюты, картуши, гирлянды, медальоны). Здания барокко живописны, скульптурны. Фронтоны завершаются статуями ,в нишах располагаются скульптуры, а стены украшаются рельефами. Лучшая архитектурная школа в Европе была в Италии. Церковь иезуитов Иль Джезу (арх. Джакомо да Виньола). Основные типы архитектуры наравне с храмами – это дворцы знати и парковые комплексы загородных вилл. Центром здания становится парадный вход в главный торжественный зал, появляется парадный подъезд перед дворцом для въезда карет. Благодаря деятельности архитектора Доменико Фонтаны, который соединил важные пункты города магистралями, поставил по их концам обелиски и устроил фонтаны, Рим стал образцом для реконструкции многих городов. Классический пример барочного пространства – площадь собора Св. Петра в Риме(1660-егг) архитектор Бернини.(ц. Сант Андреа аль Квиринале) Бернини — подлинный гений Барокко, архитектор и скульптор, он мастер над¬гробий и алтарей, монументальных го¬родских ансамблей с фонтанами и обели¬сками. Ему принадлежит самый крупный архитектурный ансамбль Италии — пло¬щадь Святого Петра в Риме (1607-1617 гг.) перед собо¬ром, построенным Микеланжело с гигантской колоннадой, а также кафедры внут¬ри собора и киворий (надстройка над могилой Петра) на четырех витых колоннах с имитацией в бронзе тяже¬лых складок драпировок. Высота кивория 29 метров. Издали это невероятное соору¬жение не производит впечатления боль¬ших размеров. Но по мере приближения к нему зритель начинает осознавать ис¬тинные расстояния внутри собора и дей¬ствительный масштаб витых бронзовых колонн. Они как бы растут на глазах «ввинчиваются» ввысь, и их форма еще более усиливает впечатление роста. Соответственно растет и подкупольное пространство, и в определенный момент человек начинает чувствовать се¬бя совершенно раздавленным масштабом увиденного. В своих скульптурах Бернини с той же парадок¬сальностью превращает тяжелый мрамор и бронзу в искусство светописи и цветописи. Все сливается с воздухом и мисти¬ческой вибрацией архитектурного про¬странства. Высеченные из мрамора фигуры знаменитой композиции «Экстаз Святой Терезы» (1647—1652) кажутся бестелесны¬ми в лучах льющегося сверху потока све¬та, и вся группа превращается в мистиче¬ское видение. В этой композиции Бернини полностью освобождается от естествен¬ных законов материального мира в поль¬зу духовного. Каменные одеяния развеваются так, словно совершенно не существует силы тяжести, и они не зависят от физи¬ческого положения в пространстве. Если в искусстве Классицизма драпировки обя¬заны выявлять форму фигуры человека, то здесь происходит совершенно обрат¬ное: Бернини заставляет их развеваться по воздуху и создает тем самым ирраци¬ональную, нематериальную динамику и ми¬стическую экспрессию. Эта динамика ста¬новится художественной категорией сти¬ля. Наиболее радикальное течение римско¬го Барокко называется — «стиль иезуитов». Его главное произведение — цер¬ковь Иль Джезу в Риме архитектора Джакомо делла Порта (1575). Стиль иезуитов связан с движением контрреформации и идеей абсолютизма римской католической церкви. Стиль получил распространение не только в Италии и Испании, где его влияние было особенно сильным, но и в Восточной Европе. Церковь – образец раннего Барокко. Однонефная, с боковыми капеллами, абсидой простой формы и большим куполом над среднекрестьем. На фасаде: пилястры группируются парами и перерастают в полуколонны. На втором этаже между пилястрами появляются глубокие ниши (игра света и тени). Волюты по краям фасада объединяют 1 и 2 ярусы. Франческо Борромини. Церковь СанКарло алле Куатро Фонтане. 1634-1667 гг. Рим. Пример зрелого Барокко. Для церкви СанКарло был отведён маленький и очень неудобный участок на перекрёстке двух улиц. Возможно, поэтому Борромини сделал храм очень небольшим, что необычно для построек барокко. По углам расположены четыре скульптурные группы с фонтанами, отсюда и название церкви. Волнообразный фасад. На фасаде два ангела поддерживают овал с изображением герба. Углы церкви срезаны (фонтаны). Основные типы архитектуры наравне с храмами – это дворцы знати и парковые комплексы загородных вилл. Центром здания становится парадный вход в главный торжественный зал, появляется парадный подъезд перед дворцом для въезда карет. Внутреннее пространство в Барокко изощренное. Избыток скульптуры. Но статуи стоят не порознь, как в готике, например, а группируются и видятся зрителю в массе. Парковые ансамбли Франции. Версаль. Парковая планировка имеет основную ось от дворца. На этой оси от дворца – «водяной партер» - два симметричных водоема. От них лестница к фонтану Латона. Далее «зеленый ковер» - газоны. >> Бассейн Аполлона. >> Большой канал в форме креста. (XVII в.) Плафонные росписи — излюб¬ленный вид искусства Барокко. Их главная задача — создание мистического ощущения пространства, в котором теряются привыч¬ные представления о реальной протяженно¬сти, специфике объема, цвета, света и пло¬скости. В барочных интерьерах плафон из завершающего элемента превращается в не¬кое подобие иллюзорного, уходящего вверх пространства. В этом смысле одинаковы функции купола и иллюзорной перспектив¬ной росписи. Характерно, что многие пла¬фонные композиции в интерьерах Барокко имитируют не только бесконечное простран¬ство неба с облаками и летящими фигура¬ми, но и купол с его устремленностью вверх, создающей ощущение «светового столпа». Иллюзорные перспективные рос¬писи как нельзя лучше выражали эстетиче¬ский идеал искусства Барокко — пережива¬ние бесконечности пространства, движение света и цвета. Категории эстетики Барокко: красота (художни¬ки Барокко искали красоту не в природе, а в своем воображении. И, как это ни пара¬доксально, они находили ее в классических формах античности), грация (движение, пластика, изменчивость), декорум (отбор соответствую¬щих тем и сюжетов: исторические, героические). Натюрморт и пейзаж объяв¬ляются низшими жанрами, а мифологичес¬кие и религиозные сюжеты подвергаются строгой цензуре, подчеркивающей их мо-рализующее начало. Портрет признается лишь тогда, когда он выражает «благо¬родство и величие». Главный способ художественного обоб¬щения — иносказание, аллего¬рия. Превыше всего ценился замысел, ком¬позиция, аллегорический смысл и декора¬тивное расположение изображаемых фигур. Были распространены огром¬ные алтарные картины, предназначенные для конкретного интерьера. Поэтому жи¬вопись Барокко, искусственно вырванная из того окружения, для которого она пред¬назначалась, многое теряет. Барокко свойственна театральность, на¬пыщенность. Первым выдающимся произведением нового стиля была роспись купола римской церкви Сант Андреа дела Вале выполненная Джованни Лафранко. Зрелый период развития стиля связан с Пьетро Бертини да Кортоны. Он работал в области фресковой росписи и станковой картины. Плафон Большого зала палаццо Барберини в Риме «Триумф божественного провидения» >> (фрагмент) (1633-1639). В светской барочной живописи появляется большое разнообразие новых тем: исторические сцены, баталии, триумфы, аллегории. Караваджо (1573-1610). Фрагментарность в изображении. Первым осмелился выделить яркий мотив в самостоятельный крупный план и сделать из него законченную композицию. Его композиции взяты крупным планом, они часто полуфигурные, с небольшим числом действующих лиц. Такой отрыв от универсальной системы целого произошел впервые. В реалистической живописи Караваджо разрабатываются классические темы: «Вакх», >> «Отдых на пути в Египет», «Положение во гроб», «Медуза», «Обращение св. Павла». Библейские персонажи Караваджо лишены благообразия, их облик нарочито прост («Евангелист Матфей с ангелом»). Его главный живописный принцип – светотеневой контраст, как средство выделения главного мотива. Искусство Караваджо обращается к простому зрителю, человеку из народа. Бытовая живопись («Гадалка», «Шулера», «Юноша с лютней», «Юноша, укушенный ящерицей»). Болонская школа. Людовико, Анибалле и Агостино Каррачо. Облагораживание натуры. Введение пышных обрамлений имитирующих скульптуру. Крупнейшее произведение этого направления – роспись галереи палаццо Фарнезе в Риме. Болонский академизм. Академию классического наследия Высокого Возрождения создали 3 болонских художника - бр. Караччо >> «Академия дель инкаминати» (Академия вступивших на правильный путь). Обучали рисунку, живописи, анатомии, перспективе. Главная задача – подражание искусству Возрождения. Главой фламандской школы живописи был Питер Пауль Рубенс. «Снятие с креста», «Воздвижение Креста». Изображал обнаженные тела в движении, в физическом напряжении («Персей и Андромеда», «Венера и Адонис», «Охота на львов», «Битва амазонок», «Вакханалия» >>) портреты – «потрет Марии Медичи». Пафос бурной космической динамики, борьбы противостоящих сил господствует в огромных декоративных полотнах: «Страшный суд», «Малый Страшный суд», «Падение грешников», «Битва амазонок». Стихия первозданного хаоса подчинена безупречно организованной композиции, построенной по диагонали, эллипсу, спирали, на контрастах темных и светлых силуэтов, цветовых сочетаний и пятен, потоков света и затененных живописных масс, сложной игре ритмических созвучий. Рембрандт (1606-1669). Основная тема его искусства – человеческая жизнь в ее решающих моментах. Библейские и мифологические сюжеты. («Отречение Апостола Петра», «Давид и Саул» ). В портретном жанре создает психологическую характеристику образа. («Портрет старика в красном», «Автопортрет с Саскией на коленях»). Групповой портрет «Ночной дозор». Тж. занимался рисунком и гравюрой (бытовые сцены, портреты, пейзажи, религиозные сюжеты «Слепой Товит», «Снятие с креста», «Три креста»). «Блудный сын», «Даная». Испанское барокко. Рококо. В 1-й пол. XVIII в. Барокко повсеместно эволюционирует к грациозной лёгкости стиля Рококо, сосуществует и переплетается с ним, а с 1760-х гг. вытесняется классицизмом. Стиль, получивший развитие в европейских пластических искусствах 1-й пол. XVIII в. Возник во Франции в период кризиса абсолютизма, отразил свойственные аристократии гедонистического настроения, тяготение к бегству от действительности в мир театрализованной игры. В пластических искусствах стиль Рококо повлиял прежде всего на характер декора, который принял в эту эпоху подчёркнуто прихотливый и усложнённый вид. В ранний этап развития французского Р. (примерно до 1725, так называемый стиль регентства) формы барокко утрачивают свою монументальность, в отделку помещений вводится дробный орнамент, предметам обстановки придаются прихотливо изогнутые поверхности. Развитое Р. (примерно 1725—50, так называемый стиль Людовика XV) культивирует сложнейшие резные и лепные узоры, завитки, разорванные картуши, рокайли, маски-головки амуров и т.д.; в убранстве помещений большую роль играют рельефы и живописные панно в изысканных обрамлениях (в том числе десюдепорты), а также многочисленные зеркала, усиливающие эффект лёгкого движения, как бы пронизывающего поверхности стен. Преимущественно орнаментальная направленность стиля Рококо не позволила ему оказать значительного влияния на тектонику и наружный облик сооружений; например, в архитектуре французских отелей (архитекторы Ж.М. Оппенор, Ж.О. Мейсонье, Ж. Бофран и др.) пышное оформление рокайльных интерьеров сочетается с относительной строгостью внешнего облика. Распространяясь в зодчестве стран Европы [Германии (Г.В. Кнобельсдорф, И.Б. Нёйман, отчасти М.Д. Пёппельман), Австрии, Польши, Чехословакии], стиль Рококо нередко являлся не столько отражением французских влияний, сколько своеобразным местным вариантом позднего барокко. Самой распространенной формой живописного произведения стало декоративное панно, большей частью овальной, круглой или причудливо-изогнутой формы; в основе композиции и рисунка лежит мягко изгибающаяся линия, которая придает произведению обязательную для этого стиля вычурность и нарядность. В своих колористических исканиях рокайльные мастера шли от Рубенса, Веронезе и венецианцев, но предпочитали не их насыщенные, сочные цвета, но бледные полутона: красный становится розовым, синий — голубым, появляются лимонно-желтые, блекло-голубые, розовые, сиреневые цвета, даже вымышленные — вроде «цвета бедра испуганной нимфы». Одним из основоположников стиля «рококо» был талантливый Антуан Ватто, давший наиболее совершенное воплощение принципам этого стиля. Эмоциональность и меланхолическая мечтательность придают характерам образов Ватто особую утонченность. Крупнейшим мастером собственно рокайльного искусства был Франсуа Буше, мастер занимательных любовных сюжетов, великолепный колорист и рисовальщик. Творчество Буше-живописца исключительно многогранно; он обращался к аллегорическим и мифологическим сюжетам, изображал деревенские ярмарки и фешенебельную парижскую жизнь, писал жанровые сцены, пасторали, пейзажи, портреты. Активно привлекался к украшению резиденций короля и мадам де Помпадур, частных особняков Парижа. В последние годы жизни был директором Королевской академии живописи и скульптуры и «первым живописцем короля». Композиции строятся на сочетании ритмики целого и характерной детали. С конца 1730-х годов работает в театральной декорации. С темой сельских пейзажей связаны пасторали Буше, тоже строящиеся по принципу театральной декорации: с площадкой для актеров, кулисами и уподобленным играющим на сцене молодым миловидным поселянам, занятым отдыхом или выяснением любовных отношений («Вознагражденная покорность», «Прекрасная кухарка», «Отдых крестьян»). Декоративный талант и фантазия художника проявились и мифологических сценах. Они изображались на фоне воображаемых античных построек. Сцены эффектны по композиции, написаны в свободной живописной манере и яркой серебрящейся красочной гамме («Аврора и Кефал», «Геркулес и Омфала»). В жанровых сценах в интерьере Буше с большим мастерством не только передает детали изображаемых будуаров, костюмы персонажей — дам, занятых туалетом и беседой со служанками, расположившихся за столом матерей или гувернанток с детьми, — но и умеет придать сцене занимательность, объединить всех общим настроением («Утро», «Завтрак»>>). В духе академической традиции художник пишет и библейские сцены («Жертвоприношение Гидеона», «Иосиф, представляемый отцом и братьями фараону»). Отсутствие внутреннего драматизма восполняется в них эмоциональной живописной манерой и ярким колоритом. «Одалиска» >> Скульптура. Большое распространение в искусстве рококо и всего XVIII века получили портретные бюсты и маленькие скульптурные группы или статуи купальщиц, нимф, амуров, их ставили в парке, украшали ими беседки, салоны, купальни. Крупнейшие скульпторы рококо: Ж. Б. Лемуан, Пигаль, Пажу, Фальконе, Клодион. Итальянский скульптор Антонио Канова (1757-1822) - один из главных его представителей. Он старается усовершенствовать античную скульптуру и часто выбирает мифологические сюжеты, как, например, в своем шедевре, иллюстрирующем миф об Амуре и Психее «Амур и Психея»