История искусства
История дизайна
 
Живопсиь Италии
19. Живопсиь эпохи Возрождения в Италии: XIV-XVI вв. Началом ренессансной живописи счита¬ют эпоху Дученто, т.е. конец XIII века. Проторенессанс еще тесно связан со средневековыми романскими, готически¬ми и византийскими традициями. Ху¬дожники конца XIII — начала XIV вв. еще далеки от научного изучения окру¬жающей действительности. Они выра¬жают свои представления о ней, еще ис¬пользуя условные образы византийской изобразительной системы — скалистые горки, символические деревья, условные башенки. Но иногда облик архитектур¬ных сооружений так точно воспроизве¬ден, что это указывает на существование зарисовок с натуры. Мастера этого времени воз¬рождают известный античности принцип светотеневой моделировки форм. Благо¬даря ей фигуры и здания приобретают плотность и объем. По-видимому, первым, кто приме¬нил античную перспективу, был флорен¬тиец Ченни ди Пепо (сведения с 1272 по 1302), прозванный Чимабуэ. К сожале¬нию, самая его значительная работа — се¬рия росписей на темы из Апокалипсиса, жизни Марии и апостола Петра в церк¬ви Сан Франческо в Ассизи дошла до нас почти в разрушенном состоянии. Лучше сохранились его алтарные композиции. Они тоже восходят к византий¬ским прототипам, но в них отчетливо проступают черты нового подхода к религиозной живописи. Чимабуэ. Мадонна с ангелами. (Маэста – тронное изображение Марии) >> Влияние Византиских традиций – золотой фон. Трактовка объемов. Творчество Чимабуэ было исходным пунктом тех новых процессов, которые определили дальнейшее развитие живо¬писи. Джотто ди Бондоне (1266-1337). Он создатель новой живописной системы, великий преобразователь всей европейс¬кой живописи, истинный родоначальник нового искусства. Самая знаменитая из дошедших до нас работ Джотто — цикл росписей в капелле дель Арена в Падуе, посвященный евангельс¬ким сказаниям о жизни Христа. Этот уни¬кальный живописный ансамбль — одно из этапных произведений в истории европей¬ского искусства. Вместо разобщенных отдельных сцен и фи¬гур, свойственных средневековой жи¬вописи, Джотто со¬здал единый эпичес¬кий цикл. 38 сцен из жизни Христа и Ма¬рии («Встреча Ма¬рии и Елизаветы», «Поцелуй Иуды» >> «Оплакивание» и др.). Вместо привычного золотого византийс¬кого фона Джотто вводит пейзажный фон. Фигуры уже не парят в простран¬стве, а обретают твердую почву под ногами. И хотя они еще малоподвижны, в них видно стремле¬ние передать анато¬мию человеческого тела и естественность движения. Джотто придает формам почти скульптурную ощутимость, тяжесть, плот¬ность. Он моделирует рельеф, постепенно высветляя основной красочный фон. Этот принцип светотеневой моделировки, позво¬лявший работать чистыми, яркими крас¬ками без темных теней, стал господствую¬щим в итальянской живописи вплоть до XVI века. Из многочисленных поздних фреско¬вых циклов Джотто, сохранились лишь росписи двух капелл флорентийской церкви Сан¬та Кроче. Они посвящены святому Фран¬циску Ассизскому, основателю ордена нищенствующих монахов, жившему в конце XII — начале XIII вв «Благовещегье». Капелла дельи Скровеньи Падуя. >> «Изгнание». Капелла дельи Скровеньи Падуя. >> Влияние Джотто приобрело свою силу и плодотворность только через столетие. Художники Кватроченто осуществили те задачи, которые были поставлены Джотто. Этап Раннего Возрождения называют триумфальным периодом в истории искусства. Щед¬рость, размах художественного твор¬чества в Италии XV века создает впечатление небывалой творческой ак¬тивности скульпторов и живописцев. Слава основоположника живописи Кватроченто принадлежит флорентий¬скому художнику Мазаччо, умершему совсем молодым (1401-1428). Он пер¬вым решил главные проблемы живопи¬си Возрождения — линейной и воздуш¬ной перспективы. На его фресках в капелле Бранкаччи флорентийской церкви Санта Мария делъ Кармине фи¬гуры, написанные по законам анато¬мии, связаны между собой и с пейза¬жем. Его холмы и деревья уходят вдаль, образуя естественную воздушную среду. «Троица». 1427. >> Церковь Санта Мария Новелла. Событие помещается в пространство правильной линейной перспективы. Программа Ренессанса. << «Мадонна» 1426. Иисус облизывает виноградный сок с пальцев – символ крови. Флорентийская школа долгое время оставалась ведущей в искусстве Италии. В нем существовало и более консерватив¬ное течение. Некоторые художники это¬го направления были монахами, поэтому в истории искусства они получили назва¬ние монастырских. Одним из самых из¬вестных среди них был Фра Биато Анжелико (1387-1455). Его образы библейс¬ких персонажей написаны в духе средне¬вековых традиций, они полны лиризма, спокойного достоинства и созерцательно¬сти. Его пейзажные фоны пронизаны чув¬ством жизнерадостности, характерным для эпохи Возрождения. В раннем творчестве – готические традиции. Затем: пластические поиски, открытие перспективы, утверждение радостного мироощущения. Фрески монастыря Сан-Марко. (Яркий, светлый колорит. Мягкая пластика.) «Сретение» (Мария 40 дн. принесла младенца в храм на посвящение богу), (справа). «Явление Христа Марии» (слева). Мон. Сан-Марко, 1440. >> Характерная черта живописи по¬зднего Кватроченто — многообразие школ и направлений. В это время склады¬ваются флорентийская, умбрийская (Пье¬ро делла Франческа, Пинтуриккъо, Пе¬руджино), североитальянская (Андреа Мантенъи), венецианская (Антонелло да Мессина, Джованни Беллини) школы. Один из самых выдающихся худож¬ников Кватроченто — Сандро Ботичелли (1445-1510). В искусстве Боттичелли происходит своеобразный син¬тез средневекового мистициз¬ма с античной традицией, иде¬алов готики и Возрождения. Он изображает пре¬красных античных богинь не в чувственных обликах зем¬ной красоты, а в романтичес¬ких, одухотворенных, возвышенных образах. Две прославившие его картины — «Рождение Венеры» (1480) и «Вес¬на» (1477-1480). Главная тема – античный миф. Открыл обнаженное тело. Прозрачные, легкие краски. Декоративная изысканна линия. Весна: божества любви и весеннего обновления располагаются вереницей на фоне апельсиновой рощи. Рождение Венеры: очертания зефиров и нимф напоминают занавес. Линия горизонта – простор. Ранний Ренессанс длился около сто¬летия. Его завершает период Высокого Ренессанса, на который приходится всего около 30 лет. Главным центром худо¬жественной жизни в это время стано¬вится Рим. Если искусство Кватроченто—это анализ, поиски, находки, свежесть юно¬шеского мироощущения, то искусство Высокого Ренессанса (Чинквиченто, XVI в.) — это итог, син¬тез, мудрая зрелость. Поиски художе¬ственного идеала в период Кватроченто привели искусство к обобщению, к рас¬крытию общих закономерностей. Глав¬ное отличие искусства Высокого Ренес¬санса в том, что оно отрешается от частностей, деталей, подробностей во имя обобщенного образа. Весь опыт, все поиски предшественников сжаты у вели¬ких мастеров Чинквеченто в грандиоз¬ном обобщении. Эта характеристика, может быть, больше, чем к другим деятелям Возрож¬дения, подходит к Леонардо да Винчи (1452-1519). Он объединил в себе ху¬дожественный и на¬учный гений. Лео¬нардо был ученым, изучающим природу не ради искусства, а ради науки. Поэтому до нас дошло так мало законченных произведений Лео¬нардо: несколько гени¬альных достоверных картин его кисти, знаменитая сильно разрушившаяся фреска «Тайная вечеря» 1498 в Милане, мно¬жество рисунков и набросков. Леонар¬до был переполнен замыслами и ограни¬чивался тем, что намечал в записях и эскизах пути решения той или иной за¬дачи, оставляя потомкам их осуществ¬ление. Когда же он ставил цель созда¬ния законченного произведения, ему хотелось добиться предельного совер¬шенства, и он работал долгие годы над одним произведением. Но каждое из созданных им произведении было открытием в искусстве. Его «Мадонна в гро¬те» (1483-94, Лувр (слева); второй вариант — 1487-1511, Национальная галерея (справа)) — первая монумен¬тальная алтарная компози¬ция Высокого Ренессанса. Это большая картина рас¬пространенного в ренессансной живописи формата, который напоминает окно, закругленное наверху. Она стала образцом станкового решения композиции. Фи¬гуры Марии, маленького Христа, маленького Иоанна Крестителя и ангела не про¬сто расположены на фоне пещеры, а действительно внутри нее, в определенной среде, в кото¬рой ощущается реальное расстояние, воз¬душное пространство между фигурами. Это особое качество живописи Леонардо получило название «сфуматто» — воз¬душная дымка, обволакивающая все предметы, смягчающая контуры. На картине представлен скальный грот, в центре которого сидит Дева Мария. Возле нее расположились два младенца — Иисус и Иоанн Креститель и Ангел справа, за Иоанном. Новым этапом в искусстве была рос¬пись стены трапезной монастыря Санта Мария делле Грацие на сюжет «Тайной вечери», который писали многие худож¬ники Кватроченто. Леонардо работал над этим произве¬дением 16 лет. Громадная фреска, где фигуры написаны в полтора раза больше натуральной величины. Отразила размышления Леонардо о пространстве, линейной перспективе и выражении разнообразных эмоций в живописи. Он изобразил тот момент, когда Христос сказал: "Истинно говорю вам, что один из вас предаст меня", как психологический взрыв. Христос - центр композиции, вокруг которого собирается буря эмоций. Все средства использованы для того, чтобы привести глаз к фигуре Христа: основные цвета одежды (красный и синий), силуэт, выделяющийся на фоне окна. Фигура Иуды (четвертый справа от Христа) передвинута со своего обычного места с внешней стороны стола; его изображение вместе с остальными апостолами еще более усиливает драматизм происходящего. Двенадцать апостолов распределены на четыре группы по трое и изображены склоненными к Христу или отпрянувшими от него. Поскольку расположение тринадцати человек по одну сторону стола несколько неестественно, их прямое сопоставление поднимает эмоциональный накал, а уходящая в глубь перспектива (комната изображена в виде трапеции) создает эффект выталкивания фигур на зрителя. Одной из самых знаменитых картин в мире стала работа Леонардо «Джокон¬да». Этот портрет стал шедевром ренессансного искусства. Впервые в истории мирового искусства портретный жанр встал на один уровень с компози¬циями на религиозную тему. Идеи монументального искусства Возрождения нашли яркое выражение в творчестве Рафаэля Санти. (1483-1520). Леонардо создал классический стиль, Рафаэль его утвердил и популяри¬зовал. Искусство Рафаэля часто опре¬деляют как «золотую середину». Разносторонний художник, архитектор, монументалист, мастер портрета и много¬фигурной композиции, талантливый деко¬ратор. После смерти архитектора Браманте он стал главным архитектором собора Св. Пет¬ра, ведал археологическими раскопками в Риме, охраной античных памятников. Но больше всего он известен в истории мирового искусст¬ва как создатель дивных «Мадонн» — «Мадонна Коннестабиле» 1504 >> «Мадонна в зелени», «Мадонна со щег¬ленком» 1507 >> «Мадонна в кресле». Вершиной его мастерства стала «Сикстинская мадон¬на», написанная в 1516 г. для бенедиктин¬ского монастыря в Пьяченце. Эта алтарная композиция в тече¬ние веков воспринимается как формула красоты и гармонии. Трагическим чув¬ством веет от поразительно одухотво¬ренных лиц Мадонны и младенца-Бога, которого она отдает во искупление че¬ловеческих грехов. Взгляд Мадонны направлен как бы сквозь зрителя, он полон скорбного предвидения. В этом образе воплощен синтез античного иде¬ала красоты с духовностью христианс¬кого идеала. Фигура Сикста – слева, тяжелее, ниже. Справа – Варвара. Над Варварой тяжелее занавес – равновесие. Самые выдающиеся из монумен¬тальных работ Рафаэля — это росписи ватиканских апартаментов папы. Мно¬гофигурные крупномасштабные компо¬зиции покрывают все стены трех залов. В росписи Рафаэлю помогали ученики. Лучшие фрески, как, например, «Афин¬ская школа», он исполнял собственно¬ручно. Сюжеты росписи включали фрески-аллегории основных сфер ду¬ховной деятельности человека: филосо¬фии, поэзии, богословия и правосудия. Во фреске «Афинская школа» Рафаэль изобразил Платона и Аристотеля в ок¬ружении философов. Микеланджело Буанорроти (1475-1564) проявил¬ся в архитектуре, живописи, поэзии, но ярче всего в скульптуре. Тело че¬ловека кажется ему самым достойным предметом изображения. Но это человек особой, могучей, героической породы. Искусство Микеланджело посвящено прославлению человека-борца, его геро¬ической деятельности и страданиям. Его искусству свойственны гигантомания, титаническое начало. Это искусство пло¬щадей, общественных сооружений, а не дворцовых залов, искусство для народа, а не для придворных аристократов. Самым грандиозным из его трудов стала роспись свода Сикстинской капел¬лы. Средний пояс свода украшают девять сцен из Книги Бытия. «Сотворение Адама». Потолок. >> «Создание звезд и планет» >> Также «Разделение земли и воды», «Тьмы и света» и т.д. Написанные Микеланджело могучие ги¬ганты, старики, женщины, младенцы объемно пластичны как скульптурные изваяния. Сильное движение человечес¬кого тела в сильных поворотах. В старости Микеланд¬жело вер¬нулся к работе в Сикс¬тинской капелле, где он создал про¬изведение — «Страшный суд». (1536-1541) Западная стена Сикстинской капеллы. Для ее создания пришлось отказаться от двух фресок, написанных Перуджино, и замуровать два огромных стрельчатых окна. Центром идущего по кругу стреми-тельного движения Микеланд-жело делает фигуру Христа, который выразительным дра-матическим жестом осуждает грешников. Он поднял правую руку и отмахивается от них. Справа внизу грешники на ладье Харона, проваливаю-щиеся в ад; в небе ангелы, трубный глас которых при-зывает встать умерших. У ног Христа Святой Лаврентий и Святой Варфоломей с кинжалом в руке, в лике которого ху-дожник изобразил самого себя. Рядом с Христом изображена Мадонна. Она смиренна и безропотна в час приговора. Первым мастером Высокого Воз¬рождения в Венеции был Джорджоне (1477-1510). Он первый обратился не только к мифологическим сюжетам, но и к литературным темам. Его знаменитые картины — «Гроза» (1505-1510) >> «Сельский кон¬церт», «Юдифь» >> «Спящая Венера». Лиричность и содержательность. Фрески Большого дворца в Венеции вместе с Тицианом. Высокое Возрождение искало свои идеалы не в небе, а на земле и сталкивалось с несоответствием >> скоротечность этого периода. Шел процесс потери идеалов. В 1519 умирает Леонардо, в 1520 – Рафаэль. Они оставляют после себя школу, не способную развиваться самостоятельно. Божественная красота новым поколением подменялась осязательной ценностью. Происходит изобретение вариативности в уже известных формах (маньеризм). Венецианская школа испытывала влияние готики, Византии, Мавританского искусства, Ренессанса, элементы раннего Барокко. Отсутствие интереса к античному прошлому и слабое развитие гуманистических тенденций. Позднее Возрождение (кон. XVI в.). С 20-х годов XVI века самым знамени¬тым художником Венеции становится Тициан (1477-1576). По заказу богатых патрициев он писал огром¬ные алтарные образа, такие, как «Возне¬сение Марии», «Мадонна Пезаро». Тициан много писал на ан¬тичные темы, мифологические сюжеты — «Вакханки», «Даная», «Венера и Адонис» 1554 >> К концу жизни он обращается к трагическим темам хрис¬тианского мученичества и покаяния — «Кающаяся Магдалина» 1560-е >> «Оплакивание», «Св. Себастиан». Изменилась и техника его живописи. Золотистый светлый коло¬рит и легкие лессировки сменяются густым месивом красок. Художник лепит цветом широкими мазками, сильными ударами кисти, часто прямо пальцами, предвосхи¬щая экспрессивную манеру живописи не¬которых школ XIX в. Тициан внес принципиальное изменение в живопись Возрожде¬ния, заменив господство линии господ¬ством цветового пятна. Паоло Веронезе (1528-1588) Его многолюдные компози¬ции «Брак в Канне Галилейс¬кой» (1562-1563) (справа), «Тайная вечеря» (слева), «Пир в доме Левия» — это огромные декоративные картины народной толпы на фоне архи¬тектурного пейзажа, пышных обедов в богатых венецианских палаццо. Якопо Робусти (1518-1594), прозванный Тинторетто. Последний корифей венециан¬ского Чинквеченто. В его динамических композициях царит стремительное дви¬жение, энергичное чувство жизни, голо¬вокружительные ракурсы «Благовеще¬ние», «Битва архангела Михаила с сатаной». Венецианская любовь к ко¬лориту соединяется у него с интересом к необычному освещению. Причудли¬вые световые эффекты, призрачный клубящийся свет, яркие вспышки в по¬лумраке, игра теней Северное возрождение. Новые черты ренессансного искусст¬ва проявились прежде всего в Нидерлан¬дах. Нидерланды были одной из самых богатых промышленно развитых стран Европы. Стиль возрождения в Нидерландах открыл Ян Ван Эйк (1390-1441). Самое знаменитое его произведение – Гентский алтарь. Он начал работу над ним вместе со своим старшим братом Губертом Гентский алтарь представляет собой двухъярусный складень, в 12 досках которого — картины повседневной будничной жизни (на наружных створках, которые были видны, когда складень закрыт) и жизни праздничной, ликующей (на внутренних створках, заставали в открытом виде во время праздников). Братья Ван Эйки раскрыли богатство возможностей масляной живописи; с этого времени начинается постепенное вытеснение ею темперы. Во второй половине столетия, полного политических и религиозных раздоров, в искусстве Ни¬дерландов выделяется своеобразное сложное искус¬ство Иеронима Босха (1450?-1516). Это очень самобытный художник с необыкновенной фантазией. В его композициях, не имеющих центра, нет главного действующего лица пространство в несколько слоев заполняется многочисленными группами фигур и предметов чудовищно преувеличенные пресмыкающиеся, жабы Пауки, страшные твари, в которых соединены части разных существ и предметов. Цель композиции Босха - моральное назидание. «Страшный суд», «Сад земных наслаждений», «Воз сена». Центральная часть полиптиха >> Уже зрелым Босх создал «Воз сена» - трёхстворчатый алтарь, предназначенный скорее для раздумий, чем для молитвы. Выбор сюжета Босху подсказала старая нидерландская пословица: «Мир — стог сена, и каждый старается ухватить с него сколько может». Среди мирного и вполне реального пейзажа разворачивается совершенно бессмысленная жизнь людей, гонимых жаждой наживы и удовольствий. Все человечество оказывается во власти злых сил, и за повозкой с сеном спешат не только простые люди. В этом алтаре обнаженное чувство реальности сплавляется с аллегоричностью. Люди на виду целуются и музицируют между ангелом и каким то дьявольским созданием; фантастические существа влекут повозку, а за ней радостно и покорно следуют папа, император, простые люди: забегают вперед, мечутся между колесами и гибнут, раздавленные. Пейзаж же вдали не фантастический и не баснословный. А надо всем – на облаке – маленький, воздевший руки Христос. Питер Брейгель (старший) (1525-1569). Его искусство выросло на почве нидерландских традиций, оно связано с народным фольклором. Одна из его картин так и называется «фламандские пословицы». Картины Брейгеля вовсе не создавались для крестьян, его искусство рассчитано на образованных знатоков. Он никогда не писал картин для общественных зданий, для церквей, его картины висели в домах коллекционеров. Для народа предназначалась только гравюра. С именем Брейгель связано развитие жанра пейзажа. На его полотнах множество мелких фигур изображаются на бескрайних просторах природы. Особенность композиций Брейгеля – необычный для того времени взгляд сверху («зимний пейзаж» или «охотники на снегу» >> «падение икара», «детские игры»). «Вавилонская башня» >> Черты Возрождения в искусстве Германии появляются позднее, чем в Нидерландах. Альбрехт Дюрера (1474-1528) — самый крупный художник немецкого Возрождения. Дюрер — типичный художник Ренессанса, он был и живописцем, и гравером, и математиком, и инженером. Он много путешествовал, ездил в Италию, Нидерланды, был хорошо знаком с работами итальянцев. Но в искусстве он шел собственным путем, вырабатывал свой оригинальный стиль. Его творческие силы развивались в борьбе старых форм с новыми задачами искусства. Он хотел не только подражать итальянским образам, но овладеть законами художественного творчества, новых пропорций. Его теоретические труды посвящены изучению перспективы и Пропорций человеческого тела. Дюрер — один из самых крупных мастеров гравюры в Европе. Его знаменитый «Апокалипсис» включает 15 больших гравюр на дереве. Лист «Четыре всадника» (справа) символизирует ужасные бедствия – войну, мор, голод, неправедный суд. «Ангел с ключом от бездны» (в центре), «Множество людей стоящих пред престолом и Агнцем» (слева). Реформация нанесла ущерб изобразительному искусству северных стран Европы. Нидерландские мастера значительно ограничили свою деятельность. Количество картин на светские, мифологические и аллегорические сюжеты было ничтожным, а бытовой и пейзажный жанры только зарождались. Хуже всего оказалось положение скульпторов, чья работа почти полностью предназначалась для украшения храмов. Интерьеры протестантских храмов должны были быть голыми, простыми, непохожими на богато убранные католические храмы. Искусство малых форм. От аристократа к простому человеку, жизни города. Создаются новые жанры: пейзаж, натюрморт, изображение бытовых сцен.